Det indiska subkontinentet har producerat många konstnärer av internationell kändhet, av vilka många hämtar miljoner på auktion över hela världen. Några av de mest framgångsrika och innovativa konstnärerna från Indien är kvinnor, och deras olika praxis utforskar ett brett spektrum av teman, från identitet och minne till politik, historia och samtida kultur. Vi ger dig tio av de mest kända samtida kvinnliga indiska konstnärer.
Shilpa Gupta
Shilpa Gupta undersöker en rad teman från konsumentkultur till önskan, säkerhet, religion, nationalism och mänskliga rättigheter och använder ofta interaktiva video-, fotograferings-, installation- och performancekonst, som ofta bygger på publikens deltagande. Hon fungerar som ett interaktivt videospel och hennes serie av videoprojektioner med titeln Shadow (1, 2 och 3) innehåller tittarnas simulerade skuggor, fångade av en live-kamera. Skuggorna projiceras på den vita skärmen och interagerar med andra skuggor skapade av föremål, dockor, hus, fåglar och andra figurer som dansar, hoppar och går. Gupta är en bland en ung generation av indiska konstnärer vars verk svarar på landets postkoloniala samhällsskillnader. Hon suddar ofta upp, ritar och raderar geopolitiska gränser, till exempel i 100 handritade kartor över Indien (2007-2008), som består av handritade kartor av tittare från minnet, eller hennes otitlade arbete som visar en gul polis bandflaggläsning, "Det finns ingen gräns här."
Bharti Kher
Den klibbiga, färdiga bindi - en traditionell indisk panndekoration - är central i Bharti Khers praxis och bjuder på ambivalenta betydelser, svängande mellan tradition och modernitet. Kher trivs med att skapa konst som visar missuppfattning, missuppfattningar, konflikt, mångfald och motsägelse, utforska mänskligt drama och samtida liv. Bindi visas i hennes målningar såväl som i hennes skulpturella installationer, utmanar kvinnornas roll i ett traditionellt land och hänvisar till dess traditionella andliga betydelse av det "tredje ögat". Hennes rekordbrytande The Skin Speaks a Language Not Its Own (2006) visar en död eller döende fiberglaselefant täckt med glänsande bindis. Hennes arbete arbetar vidare med allegoriska berättelser, fantastiska varelser, magiska djur och mystiska monster, sett i andra djurbaserade verk som Misdemeanors. En frånvaro av en tilldelbar orsak (2007) är en replik i livsstorlek i hjärtat av en blåval, baserad på konstnärens fantasi, betonar den romantiska idén om ett "stort hjärta" och mysterierna som binder hjärtat till begrepp om kärlek, liv och död.
Bharti Kher - Ett frånvaro av överlåtbara orsaker © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Med papper som sitt primära medium och ett minimalt ordförråd som är rikt på föreningar skapar Zarina Hashmi abstrakta verk som resonerar med hennes livsupplevelser av exil och dispossession och begreppet hem - oavsett om det är personliga, geografiska, nationella, andliga eller familjära. Hennes kontemplativa, poetiska oeuvre inkluderar träsnitt, etsningar, teckningar och gjutningar gjorda av pappersmassa. Hennes handgjorda och kalligrafiska linjer utgör ett förenande element i hennes kompositioner. Språk är avgörande för konstnären. Letters from Home (2004) visar en serie utskrifter baserade på brev från hennes syster Rani, som bor i Pakistan. I en Tate-videointervju berättar Zarina hur mottagandet av dessa brev hjälpte henne att bevara en känsla av identitet. Handskrivna Urdu är överlagda med kartor och ritningar av avlägsna hem och platser, med skuggorna av betydande stunder och intryck av platser som är relevanta för hennes familj liv.
Nalini Malani
Begreppet den gränsöverskridande gränsen är kärnan i Nalini Malanis övning, som bygger på litteratur, mytologi, historia och personligt liv för att skapa konst med relevans över kulturer. Från ritningar till målningar, projicerad animering, skuggspel, video och film, sammanställer konstnären tradition med modernistiska element för att ta itu med pressande frågor som rör det samtida samhället. Hennes familj påverkades av 1947-partitionen - ett tema som är känt för Malani, som det ses i att komma ihåg Toba Tek Singh (1998), en video inspirerad av Sadat Hasan Mantos novelle med samma titel. Malani använder symboliken för Bishen Singhs död - en mental patient som vägrar att flytta till Indien under partitionen dör i ingenmansland mellan de två gränserna. Malani undersöker då effekterna av partition på människors liv och hon utökar denna undersökning till effekten av kärnkraftsprovningen i Pokhran, Rajasthan. Malanis intresse för Cassandra ligger i hennes tro att var och en av oss har insikter och instinkter. Hennes utställning 2014 med titeln Cassandra's Gift på Vadehra Art Gallery fokuserade på möjligheten att mänskligheten förutser framtidens händelser och verkligen "lyssnar" på vad som händer omkring dem.
Rina Banerjee
En kärlek till ämne, tyg och textur, i kombination med upplevelsen av att bo i samhällen med blandade kulturella / rasistiska platser utgör grunden för Rina Banerjees poetiska multimediaverk. Hon definierar sitt arbete som en utforskning av "specifika koloniala stunder som återuppfinner plats och identitet som komplexa diasporiska upplevelser sammanflätade och ibland surrealistiska." Banerjee skapar färgglada sammansättningar av textilier, modevaror, kolonialföremål, möbler, taxidermi och organiska material, som kommer från skräpbutiker i New York och rekonfigureras till föremål med ny mening. Ovanliga material inkluderar taxidermied alligatorer, trä barnsängar, fiskben, strutsägg, fjädrar och antika möbler. Medan hybriditeten i hennes verk är en återspegling av hennes kosmopolitiska bakgrund, är det visuella språket hon skapar förankrat i mytologi och sagor. Ta mig, ta mig… to the Palace of Love (2003) är en installation som visades på Musée Guimet i Paris 2011. Artikulera en diskurs om hennes ursprung och den väst-orientalistiska utsikten över öst, den omfattade en rosa plastpaviljong gjord i form av Taj Mahal för att framkalla en bild av Indien genom rostonade glas, kännetecknande för den brittiska koloniala närvaron i Indien - med en central sammansättning av 'exotiska' material.
Dayanita Singh
Dayanita Singh skapar nyfikna berättelser om vardagen genom det fotografiska mediet och ger ett visuellt uttryck till ett landskap som sammanställer konstnärens fantasi med den verkliga världen. Hennes svarta och vita fotografier presenteras i en installation med titeln Museum samt i hennes favoritmedium: boken. Papper har en särskild betydelse för Singh. Konstnären skildrar alla, från överklassen till samhällets fransar, och ger en vidvinkelbild av samtida Indien. Mona Ahmed är en återkommande figur i sitt arbete; ända sedan deras första möte 1989 på en kommission för London Times - en män som bor på en kyrkogård i Gamla Delhi, en dubbel utstötning som förkastades av hennes familj och av eunuchsamhället. Singhs skildring av Mona är en utforskning av de med fragmenterade identiteter och brist på en känsla av tillhörighet, vilket är ämnet för boken själv Mona Ahmed. Singh's House of Love suddar upp gränsen mellan fotografibok och litterär fiktion, med bilder åtföljda av poesi och prosa som berättar nio noveller. De bärbara 'museerna', som File Museum (2013) eller Museum of Chance (2014), är stora träkonstruktioner som kan arrangeras i olika konfigurationer, med mellan 70 och 140 fotografier. Denna "fotonarkitektur", som Singh kallar det, tillåter henne oändligt att visa, redigera och arkivera bilder.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat innehåller ofta mer än ett medium i ett enda konstverk. Kallats oeuvre arbetar med de oändliga cyklerna i naturen och den ömtåliga människans tillstånd, vilket speglar de ständiga förändringarna mellan födelse, död och återfödelse; bygga och kollapsa, besegra och återuppstå. Hon arbetar ofta med officiellt registrerade eller registrerade namn - på människor, föremål eller monument som har gått förlorade eller försvunnit utan spår. Ett återkommande motiv i hennes praxis är gummistämpeln, en symbol för kontroll och den byråkratiska apparaten - ett "ansiktslöst tillstånd" som döljer och bekräftar identiteter. Kallat har använt gummistämplar sedan 2003 och investerat sina verk med ironi. I Falling Fables använde hon frimärken med adresserna på saknade monument som skyddades under den arkeologiska undersökningen i Indien, för att skapa former av arkitektoniska ruiner, och uppmärksammade tillståndet för kollaps och sprickor från det kollektiva minnet som händer i Indien och runt om i världen idag. 2013 skapade hon Untitled (Cobweb / Crossings), en spindelnät på fasaden på Bhau Daji Lad Museum i Mumbai. Hennes skapelse omfattade ett ton gummistämplar med de tidigare namnen på gatorna som omger museet och belyser förlorade historier. Kallat har tidigare använt motivet på webben för att ta itu med migrationsfrågor och de som kontrollerar det. I 'Untitled (Map / Drawing)' spårar en invecklad karta över världen som är gjord med elektriska ledningar och kopplingar de ofta dolda vandringslederna för arbetare.
[K] Reena Saini Kallat - Untitled (2008) - Detalj © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
Genom fotografering och skulpturell installation arbetar Hema Upadhyay med uppfattningar om personlig identitet, tillhörande, förskjutning, nostalgi och kön, och reflekterar över det moderna tillståndet Mumbai - en metropol med sin mångkulturella följd av migrerande rörelser. Ett återkommande självbiografiskt verk inkluderar bilder av sig själv, som om hon letade efter sin egen plats i staden, till vilken hon tvingades migrera med sin familj under partitionen. I sin första separatutställning, Sweet Sweat Memories (2001), presenterade hon verk som talade om känslor av främling och förlust. Serien innehöll miniatyrfotografier av sig själv klistrade in på målningar som beskrev flyg- och subternära perspektiv på Mumbai som en överväldigande ny stad.
Sheela Gowda
Sheela Gowda, som innehåller skulpturer, installationskonst och fotografering som visar fram urbana och lantliga Indien, skapar verk som använder vardagsmaterial, inklusive hittade och återvunna föremål och material som ko-, röd kumkum (gurkmeja), rökelse, människohår, guldblad, ceremoniella färgämnen och hushållsmaterial såsom kokosfibrer, nålar, trådar och sladd. Gowdas praxis förlitar sig starkt på sin process, som suddar gränserna mellan konst och hantverk, och ifrågasätter kvinnans subjektivitets roll i samband med religion, nationalism och våld som utgör samtida Indien. Och berätta för honom om min smärta (2001) använde över 100 meter lindad tråd färgad med röd kumkum, hängande och draperad över rymden för att bilda en tredimensionell ritning. Arbetet hänvisade till Indiens kryddkultur och textilindustrin - traditionellt delar av en kvinnas livliga upplevelse - för att lyfta fram smärtan i det kvinnliga hushållslivet i ett patriarkalsamhälle.
