Den norska konstnären Edvard Munch (1863–1944) var en av de mest framstående symbolisterna och expressionisterna i hans tid. Förlorade både sin syster och mor till tuberkulos i ung ålder, tjänade hans konst som ett utlopp för hans efterföljande rädsla och ångest. Här profilerar vi 11 av Munchs mest spökande mästerverk, som alla illustrerar konstnärens känslomässiga uppfattning om mänsklig dödlighet.
Skriket
Skriket är Edvard Munchs mest ikoniska målning som visar en förskräckt man som håller öronen under en eldig solnedgång. Bilden var förmodligen inspirerad av en vision som konstnären hade på en promenad med två vänner, och mellan 1893 och 1910 producerade han två oljemålningar samt två pasteller som skildrade den visionen. Han uttryckte sin erfarenhet av poesi på ramen på sin pastell från 1895: "Jag gick längs vägen med två vänner - solen gick ner - plötsligt blev himlen blodröd - jag pausade, kände mig utmattad och lutade på staketet - det fanns blod och eldstungor ovanför den blåsvärta fjorden och staden - mina vänner gick vidare, och jag stod där och skakade av ångest - och jag kände ett oändligt skrik som passerade genom naturen. ”
Skriket, 1910 © Munch Museum
Kväll på Karl Johan
1891 avslutade Munch sin färgstarka vårdag på Karl Johan Street. Denna glada skildring av Karl Johan Street är den motsatta mot Munchs bild av gatan på natten, som stod klar 1892. Solen har gått ner, och en grupp sörjande fotgängare verkar gå bort från en begravning eller någon form av fruktansvärda händelse. Hur denna bild så starkt kontrasterar stämningen i Munchs illustration av Karl Johan på dagen lägger till ett kyligt element till de anonyma, spöksfigurerna.
Kväll på Karl Johan, 1892 © Munch Museum
Ångest
Ångest målade 1894 och avbildar sorgliga karaktärer som inte är till skillnad från The Scream and Evening on Karl Johan. En till synes bekant bro över en vattenkropp under en blodröd himmel liknar nära skrikets inställning. De spöksliknande figurerna i framkant med sorgklädsel och nedsträckta ansiktsuttryck liknar samma grupp i Evening on Karl Johan.
Anxiety, 1894 © Google Art Project / WikiCommons
Svartsjuka
Kärlekstriangeln var ett vanligt tema i Munchs verk, avbildat i olika kapaciteter genom 11 olika målningar. Den första svartsjuken målades 1895 och den sista gjordes på 1930-talet; och även om inställningarna inte är desamma, skildrar varje känslomässig målning en avundsjuk man som tittar, panik, och tittar på tittaren medan ett kärleksfullt par omfamnar i bakgrunden. Inspirationen för denna serie kom från Munchs och en kollegas önskan efter samma kvinna. Konstnärerna bestämde sig för att samarbeta och var och en gjorde sina egna målningar kring temat avundsjuk. Här fotograferar Munch sig själv med kvinnan och lämnar sin tidigare älskare i ett avundsjukstil.
Jealousy, 1907 © Munch Museum
Maratens död
En av de mest berömda bilderna av den franska revolutionen är den inflytelserika neoklassiska konstnären Jacques-Louis Davids målning med titeln Death of Marat. Den visar den revolutionära ledaren Jean-Paul Marat som dör i ett badkar efter att ha mördats av Charlotte Corday, och den målades 1793, bara månader efter incidenten. Edvard Munch är bland flera artister som inspirerades av mästerverket och skapade sin egen version av Marats död. Hans oljemålning 1907 visar inte bara en manlig figur som dör på en blodig säng, utan innehåller också en skildring av den ansvariga kvinnan. Hans rekreation visar sig som Marat och hans älskare Tulla Larsen som mördaren, både naken och oroande fortfarande.
Maratens död, 1907 © Munch Museum
Det sjuka barnet
Edvard Munch avslutade sex versioner av The Sick Child mellan 1885 och 1926. Bilden visar en svag, blek ung flicka i sängen med en äldre kvinna, som tros vara hennes moster, som sitter i sorg vid hennes sida. Munchs syster Johanne Sophie dog av tuberkulos vid 15 års ålder, vilket är vad han refererar till och återgår till i dessa målningar. Själv dog han nästan av den smittsamma sjukdomen, och det tros att bilden registrerar hans förtvivlan såväl som skuld att han var den som överlevde i stället för sin syster.
The Sick Child, 1907 © Munch Museum
Livets dans
Livets dans visar par som dansar under månen på en sommarkväll. Fokuspunkten för målningen är paret i mitten, som tros vara Munch och hans kärlek, Tulla Larsen. Bilden som helhet berättar en historia om mänsklig upplevelse, och de två kvinnorna som står inför paret på varje sida representerar de olika stadierna i en kvinnas liv. Den till vänster som räcker efter blomman i sin vita klänning, representerar barnliknande oskyldighet som ser framåt, och kvinnan i mörka färger visar en mogen figur som ser tillbaka på paret sorgligt. Detta är ett bra exempel på målarens känslomässiga känslighet och något melankoliska syn på livet och kärleken.
Livets dans, 1925 © Munch Museum
Separation
Denna sorgliga, känslomässiga bild målades 1896. Den illustrerar kärlek, förlust och hjärtskador och visar en ung man lutad mot ett träd och hålla sitt hjärta med en ansiktslös, upplyst kvinna i bakgrunden. Bilden representerar helt klart separerade älskare, men eftersom kvinnan presenteras som en ängelfigur som flyter bort, symboliserar den möjligen att även om manens kärlek är borta, kommer minnena om henne och från det förflutna alltid att hemsöka honom.
Separation, 1896 © Google Art Project / WikiCommons
Puberteten
Edvard Munch skapade Puberteten mellan 1894 och 1895. Den illustrerar en ung naken tjej som just kom in i pubertetsåldern och är en av hans mest kontroversiella bilder. Eftersom flickans kropp är målad så detaljerad, tror många att detta är en bild av en levande modell. Flickan sitter blygigt på sängen, med benen stängda och armarna korsade, täcker sig själv, kanske representativ för förtryckt sexualitet. En mörk skugga lurar bredvid flickan, kanske symbolisk för hennes ångest och rädsla som växer upp.
Puberty, 1894-95 © Munch Museum / WikiCommons
Vampyr
Denna bild är en av de mest kontroversiella och chockerande bilderna i europeisk konsthistoria, och också en av Munchs mest reproducerade och eftertraktade verk. Det är en del av hans 20-delade serie som heter The Frieze of Life och kallades ursprungligen Love and Pain. Munch gjorde fyra versioner av den här bilden och insisterade alltid på att det inte var något annat än en kvinna som tröstade en man, men när de släpptes till allmänheten 1894 såg många det som en man som låstes in i en rödhårig vampyrs omfamning, som kopplade den till sado- masochism, Munchs relationer med prostituerade
.och vissa tänkte till och med på det som en fantasi för hans döda syster. Således tog bilden namnet Vampire, vilket är vad det fortfarande går vidare idag.
Vampire, 1893 © Google Art Project / WikiCommons
