I fotspåren av kinetiska konstpionjärer som Wen-Ying Tsai, som dött i januari 2013, experimenterar konstnärer från Stora Kina, inklusive Taiwan och Hong Kong, alltmer med nya medier. Många av den unga generationen arbetar med programvara och robotik för att skapa interaktiva och uppslukande kinetiska installationer som sträcker sig från performativ till deltagande, och är alla förvånande underbara exempel i den stigande robotkonstscenen.
dimension +
Dimension + är ett nytt kreativt team för mediekonst grundat av två konstnärer från Taiwan och Hong Kong, Escher Tsai och Keith Lam. Kollektivet fokuserar på sammanslagning av konst och teknik. Deras projekt fokuserar på att bädda in nya medier i rymden och nya mediekonst i industrin, skapa tvärvetenskaplig interaktiv design och förbättra publikens upplevelse med interaktion. Baserat i den digitala eran syftar Dimension + till att överbrygga dikotomin mellan digital och fysisk, genom att överföra det osynliga och det digitala till ett synligt och konkret element, vilket uppnås genom att kombinera analoga och digitala medier.
Dimension + har vunnit många internationella priser och har utställt på internationella festivaler, utställningar och evenemang, bland annat i Italien, Österrike, Japan, Peking, Shanghai, Guangzhou, Hong Kong och Taiwan.
Signal Morphor: The Orchestra är en interaktiv och performativ installation som förvandlar kommunikation till musikalisk poäng och ger "liv" till immateriella (eller immateriella) signaler. Publiken är artisten och kommunikationen översätts till audiovisuella. En grupp dansare med paraplyer uppträder som en slags mänskliga antenner, översätter eller avkodar kommunikationssignalerna genom att reagera på informationen de får och utföra deras svar på den.
Seriens arbete med titeln Vertebra presenterades nyligen på Taipei Digital Arts Festival 2013 och i The Innovationists, visar en utställning av kinetisk och robotkonst på K11 Mall i Hong Kong och på Taipei Museum of Contemporary Art. Verken använder papper som huvudmaterial och är reproduktioner av ryggradspelare som har djurens struktur och soliditet samt mjukhet och smidighet hos växter, vilket skapar en hybridprototyp av den "perfekta" varelsen.
Eric Siu
Eric Siu är en ny mediekonstnär i Hong Kong som arbetar med enhetskonst, interaktiv konst, kinetik, installation, video och animering. Han arbetar nu som Creative Director på Great Works Tokyo, en reklambyrå, och har varit styrelseledamot i Hong Kongs Videotage sedan 2008. 2005 fick han en BA i Creative Media från City University of Hong Kong och fortsatte till slutföra ett 12 månaders kulturutbyte och forskningsprojekt i USA. Hans video- och multimediaverk har ställts ut runt om i världen, bland annat på institutioner och i seminella evenemang för nya mediekonst som ZKM Karlsruhe, MOCA Taipei, Transmediale, SIGGRAPH Asien, ISEA, Mikrovågsugn, bland andra.
Hans mest populära verk Touchy vann kritikerros och första pris på WRO 2013, 15: e International Media Art Biennale, Wroclaw, Polen och presenterades på Discovery Channel och andra internationella mediepublikationer. Touchy är en "mänsklig kamera" - en person som bär en kamera - som tar ett fotografi när det rörs i mer än 10 sekunder. Den bärbara hjälmenheten har funktionerna hos en kamera som består av ett par automatiserade fönsterluckor, en fungerande kamera och en interaktiv skärm. Touchy är oftast blind bakom fönsterluckorna, och konstverket är i själva verket en omvandling av en människa till en kamera. Konstnären kallar detta verk ett "fenomenologiskt socialt interaktionsexperiment som fokuserar på förhållandet mellan att ge och ta emot genom att bokstavligen förvandla en människa till en kamera." För konstnären syftar detta arbete till att läka den sociala ångesten i den digitala eran genom att skapa lekfulla interaktioner. Under den nuvarande teknologiska eran har det skett en dehumanisering av fysisk kontakt och social interaktion sker i allt högre grad praktiskt och digitalt. Touchy tar upp dessa problem genom att tillåta interaktioner med främlingar, involvera fysisk kontakt och kombinationen av mänskliga med en social teknisk enhet: en kamera, som i sin tur är ett verktyg för att dela minnen, stunder, känslor, skönhet.
Xia Hang
Xia Hang (f. 1978, Shenyang, Liaoning-provinsen, Kina) började måla när han var tio år gammal och tog examen med en BFA från Lu Xun Academy of Fine Arts och en MFA från Sculpture Department of Pekings Central Academy of Fine Arts (KAFF). Under sin tid på CAFA började Xia att göra kommaformade manskulpturer i polerat rostfritt stål, som var föregångarna för hans nuvarande mekaniska främmande skulpturer.
Xia Hang har skapat en serie främmande-liknande skulpturer som, komplett med mekanismer, rör sig, sträcker och förändrar form med publikens interaktion. Konstnären skapade sådana interaktiva verk som först visades i hans utställning 2008 i Peking, med titeln "Don't touch" (med "beröringen" korsad) och trotsade ett museum och galleri som förbjuder att röra konstverk. Xia Hang kände att den här typen av tecken lossnade tittaren och konstverket ännu mer, så han bestämde sig för att göra konstverk som skulle föra de två närmare varandra och göra skulpturer till att bli leksaker.
Xia Hang skapade också LM1 (Legacy Machine No. 1) i samarbete med MB&F. Verket är en klocka som behåller alla de attraktiva egenskaperna från 1800-talets fickurinspirerade original LM1. Xia Hang-versionen presenterar en ny funktion, i form av en miniatyrskulptur av rostfritt stål av en man som indikerar klockreservets reserv. 'Herr. Upp ", skulpturen som sitter rakt upp när rörelsen är helt lindad, förvandlas långsamt till" Mr. Ner ', en lutande figur, när kraften minskar.
Wu Xiaofei
Wu Xiaofei (Dyson) tog examen med en BA i skön konst för design vid Batley School of Art and Design, Dewsbury College, Storbritannien. För närvarande är Wu baserat i Chengdu och lär sig den traditionella konsten att skära papper och arbeta med ett kinetiskt projekt. Han växte upp som en ung introverad pojke och hade en passion för att ta isär saker och bygga dem från grunden. Att upptäcka ett fel och hitta lösningen var det som drog honom närmare utvecklingen av sina egna mekaniska verk. Wu fokuserar på att skapa kontraster och kinetiska installationer som kräver samverkan av allmänheten och stimulerar deras nyfikenhet.
Musical Typewriter är ett exempel på hans interaktiva installationer, där han inbjuder unga människor och vuxna att leka med den. Normalt är att använda en skrivmaskin en enkel skrivaktivitet som låter användaren veta vad resultatet av att trycka på tangenterna är. I Woes installation är nycklarna anslutna till en serie fiskelinjer kopplade till små hammare. När du trycker på tangenterna kommer hammarna att slå en mängd olika föremål, till exempel tomma pastasåsburkar, burkar, flaskor, folie och producera olika ljud. Anslutningarna är okända för publiken, vilket resulterar i en oförutsägbar ljudexplosion. För närvarande försöker Wu få finansiering eller sponsring från Ikea, för att förbättra projektet och förbättra dess bakgrund.
Samson Young
Samson Young (f. 1979) är en kompositör, ljud- och ny mediekonstnär från Hong Kong med en nästan skrämmande imponerande CV. Han fick en BA i musik, filosofi och genusstudier från University of Sydney 2002 och en MPhil i musikkomposition från University of Hong Kong 2007. Han har en doktorsexamen i musikkomposition från Princeton University (USA) och är assistent professor i kritisk intermedia-konst vid skolan för kreativa medier, City University of Hong Kong. Hans mentorer inkluderar Chan Hing-Yan och Paul Lansky. Young har utställt och uppträtt internationellt, inklusive Sydney Springs International New Music Festival (Australien 2001), Canberra International Music Festival (Australien 2008), ISCM World Music Days (Australien 2010), MONA FOMA Festival of Music and Art (2011), Mikrovågsugn International New Media Arts Festival (HK 2004), bland många andra. 2007 var han den första Hong Kong-artisten som vann Bloomberg Emerging Artist Award med sitt audiovisuella projekt The Happiest Hour.
Trots detta framkallande av framgång i extremis är Young också reflekterande och tankeväckande, drag som visas i hans verk. Hans Machines for Making Nothing (2011-2014) är en samling små elektroniska föremål som, förutom för att användas för att spela med, inte har någon funktion eller mening alls. Deras existens bevisar hur interaktivitet kan vara förförisk eller till och med beroendeframkallande och konstverket utforskar "de estetiska njutningarna av människa-maskininteraktion" på dess mest grundläggande nivå. Beethoven Piano Sonata nr 1 - 14 (Senza Misura) består av 47 öppna brödskortskretsar, som fungerar som elektroniska metronomer. Var och en av dessa små enheter fäst och blinkar och markerar tempot från en av sonatans rörelser.
Annie Wan
Annie Wan är en ny mediekonstnär från Hong Kong. Hon tog examen med en BA i kreativa medier från City University of Hong Kong 2002 och en MSc i tillämpad informationsteknik (konst och teknologi) från Chalmers tekniska universitet, 2005. År 2012 fick hon en doktorsexamen i digital konst och experimentella medier från University of Washington, USA. Hon är för närvarande biträdande professor i School of Communication (Academy of Film), Hong Kong Baptist University. Wan har ställt ut internationellt vid festivaler, evenemang och utställningar, inklusive Multimedia Art Asia Pacific Conference 2004 (Singapore), ZeroOne / ISEA 2006 (San Jose, USA), den franska paviljongen på den 10: e Venedigs arkitekturbiennalen. 2009 vann hon finalistpriset vid Asia Digital Art Awards 2009, Fukuoka, Japan.
Annie Wans verk fokuserar främst på lokala medier, inbäddad elektronik och nätverksbaserade system. Var är kycklingen? (2008-2009) är ett lokativt robotverk offentligt konstverk, med stöd av Hong Kong Arts Development Council. Verket fungerar som en berättande föreställning, som är konstruerad med interaktionen mellan roboten, dess kulturspecifika plats och den deltagande allmänheten. Arbeta med offentliga interaktioner, samarbetsberättelse, automatiska system och mobilteknologi. Arbetet är en mekanisk automatiska livsform som inte bara simulerar verkligheten, utan tillåter allmänheten att engagera sig i den och förändra, omvandla och vrida uppfattningen om en sådan verklighet. Genom att interagera med installationen samarbetar allmänheten i dess utveckling såväl som i fortsättningen av berättelsen kring föreställningen. Publiken hjälper också till i samlingen av en "kycklingkarta över staden" genom att dela sina erfarenheter med konstnären.
Shyu Ruey-Shiann
Shyu Ruey-Shiann (f. 1966, Taipei) är för närvarande baserad mellan Taipei och New York. Han har utställt internationellt, som National Taiwan Museum of Fine Arts och Museum of Contemporary Art i Taipei, Chelsea Museum of Art i New York, Hong Kong Arts Center och Perth Institute of Contemporary Arts i Australien.
Shyu är känd för att skapa mekaniska och kinetiska skulpturer som lanserades 1997, som använder mekanisk form som ett abstrakt språk som förmedlar hans idéer och känslor gentemot livet, minnen och frågor som rör miljö, politik och samhälle. Hans mekaniskt komplexa verk består av upp till tusentals komponenter designade och tillverkade av konstnären själv, men behåller ett enkelt utseende och ger ett intryck av enkelhet.
En typ av beteende är hans senaste verk, en offentlig utomhusinstallation som nu visas på Bronx Museum of Art i New York fram till 17 augusti 2014. Installationen omfattar dussintals stålskopor av samma storlek, spridda på terrassgolvet och böljande till sin egen individuella rytm. Verket är inspirerat av den kvasimekaniska rörelsen av eremitkrabbor, vars långsamma rörelser står i hög kontrast till den hastighet som samtida samhälle rör sig på. Eremitkrabban använder också skal som kastas av andra arter och Shyu ser detta som en metafor för vårt mänskliga tillstånd. Konstnären ber oss att reflektera över vår miljö och konsekvenserna av mänskliga handlingar på naturen.
Akibo Lee
Akibo Lee (Li Ming-dao) är en taiwanesisk konstnär som arbetar med digital konst och robotik. Han är känd för sitt designarbete för popmusikindustrin i Taiwan. Han har utställt mycket runt om i världen, bland annat i Hong Kong, Kina, Taiwan, Singapore, Japan och USA. Lee engagerar sig i tvärvetenskapligt arbete och har skapat robotar för en mångfald publik, inklusive kommersiellt varumärke, visuell konst, scenkonst och offentlig konst.
Ett av hans mest kända verk i den offentliga sfären är BIGPOW, en robotinstallation som består av en grupp av tre robotar, en stor och två mindre. Lekfull och söt i utseende, de tre robotarna döljer en interaktiv komponent bakom deras till synes statiska mönster. Robotarna är metamorfoserad hi-fi-utrustning och allmänheten kan ansluta sina MP3-enheter till dem och dela sin musik offentligt.
Lee uttrycker sin kärlek till elektronisk musik och har också skapat två dansande robotar, Ding och Lulubo. Ding är en bläckfiskliknande varelse med åtta ben och Lulubo är en kvinnlig robot med en vacker form. De två robotarna har "uppträtt" i danshallar och teater, på Hip Hop och elektroniska beats, samt "samarbetat" med dansgrupper.
Av CA Xuan Mai Ardia
