Alberto Giacometti, mannen som skapade en stam av smala bronsutlänningar, som nu ska ses i museer runt om i världen, skapade också vid en tidpunkt surrealistiska skulpturer och labyrintliknande arkitektoniska utrymmen. Upptäck de åtta bitarna som hjälper dig att förstå den moderna mästarens utveckling.
Skedkvinna
Giacometti anlände till Paris vid 20 års ålder och var snabb med att ta upp alla de rika inflytelser som huvudstaden erbjöd vid den tiden. Även om han tränades av Bourdelle i klassisk skulptur, intresserade kubisternas och Brancusis verk också honom. Det var genom upptäckten av afrikansk konst, som regelbundet ställdes ut i Paris då, men han slutligen bröt sig bort från västerländska influenser och anslöt sig till frontaliteten, symbolerna och metaforerna för denna typ av konst. I Spoon Woman, en av de mest berömda av hans tidiga skulpturer, står kvinnan som en symbol för fertilitet, sett av Dan-folket i Västafrika. I den kan vi se för påverkan av kubistiska former och början på ett ständigt intresse för kvinnliga och manliga typer.
Giacometti, Biennale di Venezia, 1962 © Paolo Monti / Wikicommons
Kasta huvudet
Giacometti hade blivit frustrerad, början 1925, med hans oförmåga att uttrycka sin speciella inre syn på anatomi. För att komma bort från denna frustration hade Giacometti börjat arbeta från minnet. Sommaren 1927 arbetade han på en serie huvuden inspirerade av sin mor och far. Flirta med de senaste trenderna inom skulptur och experiment, med oceaniska och afrikanska influenser, skapade han Gazing Head 1928, hans "första helt ursprungliga uppfinning." En platt, rektangulär plack i spänning, som samtidigt är figurativ och abstrakt, det var det som fick den surrealistiska gruppens skarpa uppmärksamhet. Han skulle vara en del av gruppen fram till 1935, då han bestämde sig för att arbeta från modeller igen, redo att fortsätta sin strävan att externisera sin vision.
Näsan
Mer än tio år efter att Giacometti hade sparkats ut från surrealisterna på grund av hans behov eller impuls att skulptera efter riktiga huvuden och modeller, blev han en världsberömd, original och excentrisk konstnär, representerad av Pierre Matisse i New York, där detta skulptur skulle tas för en utställning 1947. Le Nez har fortfarande surrealistiska drag och en hotfull aura, men vi är nu mitt i Giacomettis definierade ordförråd - och just nu där han börjar utveckla "buret." Ett kusligt, håravfallet Pinocchio-liknande huvud hänger i en järnbur, där näsan sticker ut det utrymme som är avgränsat för arbetet, "näsan sträcker sig längre bort än i fängelset." Ansiktsuttrycket är ett av ångest, och verkligen kan detta stycke ses som ett som är kopplat till dess sammanhang - det från efterkrigstidens existensialistiska Frankrike, där Sartre (en av Giacomettis bästa vänner) har skrivit omfattande om den moderna människans ångest, och som hade så ofta utvidgats till tidens konstnärliga produktion.
Nosen © Cliff / Flickr
Vagnen
Som vi har sett med näsan, hade Giacometti under sin vistelse i Schweiz genom krigsåren börjat integrera strukturer och skulpturer. Vagnen visar en gudinna ovanpå en vagn med mycket stora hjul. Vi vet medvetet att han inspirerades av konst från andra kulturer och perioder, och den här påminner om de egyptiska vagnarna som han hade sett i Florens arkeologiska museum. Detta är dock inte bara Giacometti som spelar med antiken; om hans smala kvinnor inte var tillräckligt smala, tillräckligt lätta, sökte Giacometti efter ett sätt att "placera en figur i tomt utrymme" - en rudimentär upphängning om vi jämför den med näsan, men en rolig och vågad prestation av jämvikt och rörelse.
Vagnen © Mark B. Schlemmer / Flickr
Slottet klockan 4
Giacometti hade varit nedsänkt i den surrealistiska världen i två år, och han hade med sina ord skapat "skulpturer som presenterade mig för min mening fullständigt genomförda. Jag begränsade mig till att reproducera dem… utan att fråga mig själv vad de kunde betyda. ' Med det här stycket ger Giacometti sitt formella språk, möjligheten till material, en egen protagonism. Giacometti såg en "skärpa" i verkligheten, kroppar "var aldrig för mig en kompakt massa utan som en transparent konstruktion." Det är produkten från Giacomettis affär med en kvinna som heter Denise, med vilken han byggde ett "fantastiskt palats på natten" - den imaginära världen för deras gåtfulla förhållande, som fick form som ett arkitektoniskt skelett.
City Square
Piazza har en grupp figurer som, även om de är förstenade, verkar gå framåt mot varandra. Trots att de känner till Giacometti, är det osannolikt att de talar eller erkänner varandra - något som bara belyser den tomhet som redan talats om. De är upptagna i sitt eget utrymme, ännu en gång, på väg att försvinna. När konstnären förklarar det: 'På gatan förvånar människor mig mer än någon skulptur eller målning. Varje sekund strömmar folket tillsammans och går isär, sedan närmar de sig varandra för att komma närmare varandra. ' Från 1940-talet och framåt arbetade Giacometti oavbrutet med dessa siffror, men figurernas inneboende ensamhet blir mycket mer direkt.
City Square © bobistraveling / Flickr
The Walking Man I / II
Gjutet 1961, det ställdes ut ett år senare på Venedigbiennalen. Det skapades på toppen av hans karriär, där hans experiment med mänsklig anatomi hade lämnat plats för stelningen av hans stil. Utan tvekan det mest emblematiska av Giacomettis praxis, integrerar det staticitet och rörelse, tyngd av ämnet och lätthet i materien. I hans välkända melankoli verkar smala och främmande vandrande män ha ätits bort av själva atmosfären som omger dem. ' Vare sig han eller hon själv har konstnärens bronsmän har tagits som emblem av livets råa verklighet under andra halvan av seklet. Giacomettis konst är en vän till existensialister och en ganska mörk individ själv och kastar ljus över människans absurditet och bräcklighet: "Tomhet filtrerar igenom överallt, varje varelse utsöndrar sitt eget tomrum."
Walking Man © Yann Caradec / Flickr
