Stilla öarna är en av de mest avlägsna platserna på jorden och förbises ofta på den internationella konst scenen. Med en lång historia av kolonisering av europeiska länder har öarna ett rikt kulturellt och historiskt arv som bygger på både egna traditioner och dess koloniala förflutna. Vi tittar på de 10 samtida konstnärerna vars praxis är inspirerade av deras historia och kultur.
Sofia Tekela-Smith
Sofia Tekela-Smith (f. 1970) är av blandat skotskt och rotumalt ursprung och tillbringade sin barndom på ön Rotuma-Fiji-innan hon bosatte sig på Nya Zeeland. Hennes konst påverkas av hennes polynesiska arv och traditionerna för kroppens prydnad. Tekela-Smith har utökat gränserna för konceptualisering, presentation och visning av sitt arbete - smycken och föremål för kroppsdekoration - för att bli "konst" snarare än "hantverk". Melodies of their Honey Colored Skin (2003) är en serie svarta, lättande glasfiber silhuetter av huvuden, var och en dekorerad med ett stycke av Tekela-Smiths smycken.
Inspirerade av kitschföremål som visar polynesiska, afrikanska och aboriginska huvuden, populära som inhemsk dekor på 1950- och 1960-talet, utmanar silhuetterna de stereotypa bilderna av polynesier som föreställs av turiststrategier från det koloniala förflutna. Fotografierna i Brown Eyes Blue (2004) undergräver också den stereotypa uppfattningen av polynesiska kvinnor i det kollektiva imaginära. De poserar utmanande mot en svart bakgrund, händer, armar och läppar målade röda - färgen av passion, fara, våld, blod, helighet - med en röd hibiskusblomma i håret, bär de en stor pärlemorhalsstycke över sin nakna överkropp.
Sofia Tekela-Smith, Små moln Små berg (detalj), 2012, guldläpppärlemor, pounamu, vaxtråd, fotografi, spegel, 37, 5 cm i diameter Courtesy the artist och Bartley + Company Art, Wellington
Michel Rangie
Michel Rangie (f. 1950) hämtar inspiration från sitt kulturarv och de andliga och sociala traditionerna i hans ursprungsort, Vanuatuön Ambrym. Den geografiskt isolerade norra delen av ön behåller fortfarande allmänt stammens seder och kastom-sedvanliga regeringar, lagar och religion. En mängd föremål skapas för att följa ritualer och ceremonier, för att markera jubileer och en mångfald av evenemang. Rangies oeuvre påverkas direkt av dessa traditionella hantverk, som syns i Mague ne sagran (klassificering av svart palm) klass 4 (c. 2005), ett av en serie verk inspirerade av mague-figurativa skulpturer skapade för manliga initieringsceremonier. Det ambrymesiska samhället är strukturerat kring chefer som reser sig genom en serie betyg och stiger i rang är markerade med ceremonier och skapandet av mague. Tillverkad av snidad svart handflata och målad med syntetiska färger, har de totemiska figurerna var sin unika, beroende på den sociala graden av chefen som den ägnas åt.
John Pule
Niuean-konstnären, romanförfattaren och poeten John Pule (f. 1962) arbetar med målning, teckning, tryck, filmskapning och performance. Hans oeuvre hämtar inspiration från Niuean kosmologi och kristendom och hanterar frågor om migration och kolonialism. Tukulagi tukumuitea (Forever and ever) (2005) förenar sina personliga berättelser med alla nämnda ämnen. Pule sammanställer bilder av Kristus bort från korset med sörjande människor i ett öde landskap. Androgyna figurer bär stora fåglar, föremål och människor upp och ner stegar, som framkallar rörelser av kulturer och trossystem. Pionerna på målningen hänvisar till missionärernas import, inklusive själva blommorna, som har blivit en del av den lokala floran. Dominerad av den röda färgen - blod och våld - antyder arbetet också möjligheten till förnyelse. Pules arbete påverkas direkt av hans intresse för traditionen med hiapo - en frihändig barkdukstradition från Niue. Hiapo, som går tillbaka till mitten av 1800-talet, blandar västerländska och Niuean-kulturer med en sammansmältning av dekoration och bilder lika varierande som västerländska, traditionella, språk, numerologi, marina och botaniska.
John Pule, The Meeningen, 2014, oljor, emaljer, bläck, oljepinne, polyuretan på duk, 200 x 200 cm Courtesy Gow Langsford Gallery
Sima Urale
Sima Urale (f. 1968) är Samoos första kvinnliga filmskapare. Som en modern, visuell berättare behåller hon den samoiska traditionen för muntlig berättelse eller fagogo. Hennes arbete påverkas av både hennes samoiska arv och hennes upplevelse av att flytta till urbaniserade Aotearoa-det maori namn för Nya Zeeland. Hennes prisbelönta kortfilm O Tamaiti (1996) 'The Children', filmades på samoan, med minimalt ljud och skottades i svartvitt för att undvika samoans kitsch-stereotyper. Historien om en ung pojke som tvingades spela förälder under förödande omständigheter vann Silver Lion för den bästa kortfilmen vid Venedigs internationella filmfestival 1996. Urales andra kortfilm, Still Life (2001), med fokus på åldrande utmaningar för en closeknit Pākehā-namnet Māori för Nya Zeelandare av europeiskt arv-par, blev den första Kiwi-korta som vann bästa kortfilm på Montreal Film Festival och en special erkännande-pris vid Schweiz's Locarno Film Festival.
Sima Urale, Samoa / Nya Zeeland f.1969, O Tamaiti, 1996, Kapa Haka (Whereo), 2003, 35 mm film och Betacam SP-format: 15 minuter, svart och vitt, stereo. Köpt 2004. Queensland Art Gallery Foundation Grant / Collection: Queensland Art Gallery © Artisten
Aline Amaru
Tahitiska Aline Amaru (f. 1941) är en innovatör av titaifai-applikationen quilt-textil tradition i Tahiti. Vanligtvis dekorerade med blommor eller abstrakta mönster, har tifaifai varit närvarande i Polynesien sedan början av 1800-talet, troligen förknippat med introduktionen av handarbete av missionärens fruar. Amarus uppfattning om tifaifai-traditionen integrerar sina signaturmönster med hennes egna berättelser, som exempelvis avbildningar av historiska scener. La Famille Pomare (1991) presenterar en scen som skildrar de fem generationerna av kungafamiljen Pomare i Tahiti - den sista regerande monarkin innan den franska koloniala regeringen tog över 1880. Siffrorna är avbildade i kronologisk ordning och reflekterar över arvet från kungligheter i Tahiti. Amarus arbete kombinerar upphöjd applikation med komplicerat handbroderi, den mindre kända nana'osömnadstekniken med paumotustygn som hon lärde av sin mor. Tifaifai har nu också ersatt den traditionella barkduken och är ett viktigt ceremoniobjekt som passeras genom familjer och generationer som arvtagare.
Aline Amaru, Tahiti f.1941, La Famille Pomare (tifaifai) (Pa'oti-stil), 1991, kommersiell bomullstyg och tråd i applikation och broderad teknik, 237, 8 x 229 cm. Köpt 2004. Queensland Art Gallery Foundation / Collection: Queensland Art Gallery
Kalisolaite 'Uhila
Den tonganska konstnären Kalisolaite 'Uhila hänvisar till olika historier och förfäder, liksom vardagen och mångfalden av att vara. Hans performancepraxis hämtar inspiration från tonganska föreställningar om att vara och Euro-Amerikanska konsthistoriska arv från performance från 1960-talet och framåt. Hans experimentella strategi manifesterar idéer i metaforer som bestämmer ett sätt att vara, och hanterar hans infödda kultur genom att anta kulturella processer och berättelser till sitt performancespråk. Pigs In The Yard (2011) ser konstnären dela en fraktbehållare med en gris. När Uhila försöker samvuxna med grisen undersöker han djurets betydelse för sin ursprungliga tonganska kultur och de pågående koloniala bekymmer från Stillahavsöarna. I Ongo Mei Moana. Ongo Mei Moana (2015), 'Uhila leder havet vid Oriental Bay i Wellington i sex timmar, i fem dagar i rad, från lågvatten till högvatten. Konstnären drar från tongansk oration och koreografi såväl som hans släktlinje av tonganska sjömän genom att bära ngatu- och si-blad. Föreställningen hänvisar också till havet som något som förenar människor snarare än delar upp dem och slås samman tidigare, nuvarande, personliga och globala.
Kalisolaite 'Uhila, Ongo Mei Moana. Ongo Mei Moana, 2015, liveuppträdande på The Performance Arcade 2015, Wellington Waterfront, Nya Zeeland med tillstånd av konstnären
Itiri Ngaro
Cook Islands konstnär Itiri Ngaro (f. 1973) har flyttat från scenkonst till rörlig bild. Hans verk påverkas av hans bakgrund inom musik, teater, sång och dans. Ngaros praxis är självreflekterande och visar en urban verklighet som smälter in i ett Cook Island-arv. Även om hans videoverk är anklagade för Stillahavssymbolik, tror konstnären att de idéer han förmedlar är vanliga och universella för vår existens. Te 'Oki'anga o Te Vaerua (The Soul Return) (2007) engagerar sig poetiskt med frågor om kulturell identitet. Sandteckningar förvandlas till minnen av en man som försöker undkomma något, eller kanske själv. På de lugna västkuststränderna utför en man rörelser av modern och traditionell dans och tar publiken på en resa från plågade stunder till själens återkomst. Ko te au ata mou kore (The Shifting Shadows) (2008) integrerar fysiska, andliga och mentala områden genom experimentella visuella tekniker. Motstridiga krafter spelar: projicerade silhuetter handlar om sociala frågor som fysiskt missbruk och alkoholmissbruk, medan andra porträtterar änglasfäder.
Maile Andrade
Multimedia-konstnären Maile Andrade slår samman den samtida och traditionella för att skapa verk som återspeglar hennes ursprungliga Hawaiian världsbild. Genom att använda ett brett spektrum av medier såväl som innovativa tekniker blandat med traditionellt hantverk, anser Andrade att konst är ett kraftfullt sätt att skildra sitt livs resa och hennes praxis är djupt förankrat i Hawaiian arv. Andrade undersöker och ifrågasätter användningen och förvarandet av stereotyper som ses genom många linser och hur etnografi och antropologi har missbrukat kulturella metoder, kosmologi och andlighet. Konstnären återanvänder rätten att identifiera sig själv och sina egna människor - utmanande föreställningar om den stereotypa Native Hawaiian. Kahuli (2011) är en installation av lauhala-korgar och smält glas som hänvisar till idén om I Keia Manawa - nutiden, där indianer i Hawaii står fast, med ryggen till framtiden och deras ögon på det förflutna. Andrade engagerar sig i spänningen i denna tid och detta rum och snedvridningen av sociala, kulturella, politiska och historiska fakta som om händelser aldrig inträffade som vi minns dem. Denna oro är i ständig rörelse eftersom den förändras, förändrar och upprör människor, platser, situationer.
Maile Andrade, Ka Huli, 2013, vägginstallation med lauhala-korgar Med tillstånd av konstnären
Paula Schaafhausen
Den samoiska konstnären Paula Schaafhausen hänvisar till sitt kulturarv genom återanvändning av bilder, material, tekniker och visuella berättelser för att engagera sig i globala frågor. I sitt projekt 2014 Ebbing Tagaloa belyser konstnären frågor om global uppvärmning, särskilt i relation till Stilla havet och dess öar. På grund av den stigande havsnivån står många lågliggande öar i Oceanien inför hårda förändringar, till exempel högre salthalter i jorden och avtagande kuster, för att nämna några. I den samoiska mytologin är Tagaloa den högsta härskaren och traditionellt havguden som skapade öarna, himlen och haven. Schaafhausen hänvisar till guden i sina gjutna figurer gjorda av kokosnötsolja, koko Samoa och sand. Oljan och koko är material som används dagligen i Samoa, medan sanden refererar till land och hav som förenar folket i Oceanien. Statyetterna placeras på specialanpassade brickor som representerar de fem huvudsakliga öarna i Kiribati, som är en av de hotade lågliggande öarna i Stilla havet. Under utställningstiden smälter figurerna och upplöses med förändringar i temperatur och atmosfär.
En av gruppen Tagaloa-figurer av Paula Schaafhausen i utställningen 'Ebbing Tagaloa' på w: sv: Njut av Public Art Gallery © Stuartyeates / WikiCommons
