Om du inte har lagt märke till, är Los Angeles full av utställningsutrymmen. LACMA är hem för 100 000 konstverk som cementerar det som det största museet i västra USA. Museet öppnade 1965 och fokuserar på konsthistoria och världen. Var ska jag börja? Vi profilerar tio måste-se verk på LACMA.
Gråtande kvinna med näsduk (1937) av Pablo Picasso
Picasso målade detta 1937 i Spanien efter att ha slutfört sitt berömda arbete Guernica, som protesterade mot det spanska inbördeskriget. Efter det skiftade Picasso sin målarstil till surrealism men fortsatte att måla den gråtande kvinnan ofta. Kvinnan som fångas representerar inte bara hans personliga oro, med många som tror att det är ett porträtt av hans älskare och älskarinna Dora Maar, utan representerar också ett offer för kriget - en hustru och en mamma som lämnas i kval av förstörelse. Målningen är otroligt kraftfull och tankeväckande. Museet har ett brett utbud av Picassos verk som visas från flera olika perioder, så du kan utforska samlingen av denna fantastiska konstnär.
Foto av Daren DeFrank
Shiva som Lord of the Dance (c. 950–1000) av Tamil Nadu
Shiva the Destroyer and Restorer är en av de tre hinduiska gudarna. De andra inkluderar Brahma, skaparen och Vishnu the Preserver. Shiva är allmänt populärt och dyrkas i hela södra Indien. Shiva är också känd som skyddsguden för yoga och kosmisk dans som skapade universum i kontinuerliga rytmiska cykler. I denna skildring dansar Shiva runt en flamma som stiger upp från en lotuspiedestal som av många anses vara en symbol för skapelsen. Skulpturen har blivit symbolisk för den indiska civilisationen. Verket fångar Shivas nåd och gudomliga enhet. Skulpturen kan hittas på Ahmanson-byggnadens fjärde våning, och när man tittar på den på nära håll är det lätt att se den kraftfulla betydelsen denna skulptur har haft för den indiska kulturen, liksom varför verket firas över hela världen.
Foto av Daren DeFrank
Wrestlers (1899) av Thomas Eakins
Den här målningen är lätt att hitta i galleriet eftersom den helt enkelt kräver din uppmärksamhet. Plötsligt är du så betatt av den starka bilden att det är svårt att titta bort. Eakins anses vara en av de stora realistiska amerikanska målarna under 1800-talet, och det är lätt att se varför. Målningen ser ut som att den äger rum framför dig med två brottare sammanflätade mitt i en match. Målet i många av hans verk var att fånga "modernismens heroism", och han skulle ofta spendera timmar på att skapa dessa ögonblick. Han skulle ofta ha två idrottare brottas för honom och sedan räkna ut vilken position han tyckte mest stilistiskt intressant. Denna målning är också hans senast avslutade på ämnet av den mänskliga formen och avslutades mot slutet av sin karriär. Det tros vara representativt för hans egen frustration över livet. Målningen är verkligen häpnadsväckande. Vem visste att brottning med ens demoner kunde vara så vacker?
Foto av Daren DeFrank
Three Quintains (1964) av Alexander Calder
Denna skulptur är unik inte bara för designelementen i Alexander Calders tre quintain-verk, utan också för att verket skapades för museet. Innan museet öppnades bildades en kommitté för att förvärva en fontänskulptur för platsen. Museet erbjöd kommission till Calder, som gick med på det i juni 1964. Laurelle Burton, som då var presidenten för konstmuseumsrådet, sa: 'Att ha en man med Alexander Calders framträdande var den första som designade en skulptur specifikt för det nya museet skulle sätta standarderna för framtida insatser från konstnärernas och givarnas sida. ' Fontänen består av enkla geometriska former, som är karakteristiska för Calders stil, flyter i luften och drivs av vattenstrålar. Stycket är en av de få fontänskulpturer som Calder någonsin skapat. Arbetet visas permanent i Director's Roundtable Garden.
Flower Day (Dĩa de Flores) (1925) av Diego Rivera
Diego Rivera behöver verkligen ingen introduktion. Hans målningar, i olika medier, inklusive akvarell och olja, är världsberömda. Denna målning är ett måste-se verk! Tyngdpunkten i målningen är säljaren av calla liljor. Blommorna ses ovanifrån, vilket är ett unikt perspektiv. Även kompositionen av stycket är intressant eftersom figurerna är blockliknande i stil, vilket är en teknik som Rivera fäste från sin kubistiska målning tidigare i sin karriär. Efter att ha vunnit första plats i den första panamerikanska utställningen av oljemålningar 1925 erhölls den av LACMAs moderinstitution Los Angeles Museum of History, Science and Art.
Diego Rivera Flower Day © Joaquin Martinez / Flickr
Kakel med bläddande blommig arabesk (ca 15-talet), Stora Iran
En del av LACMAs utställning, Islamic Art Now - del 2, detta keramiska stycke går tillbaka till 15-talet. Utställningen som helhet fokuserar på blandningen mellan tidigare och nutidskonst i olika medier och teman. Denna kakel tillhör Timurid-styret i Iran och Centralasien. Timuridernas sponsrade byggnader prydda ofta med dekorativa plattor som den här. Stycken av brickan klipptes från olika uppsättningar med plattor, med en mängd olika färger, för att skapa en mosaik som skulle gå med andra i att skapa en komplex design på utsidan av strukturerna. Det som är mest slående med detta stycke är att trots tegelens ålder och slitage förblir tidens färger fortfarande livliga.
-
- Kakel © Beesnest McClain / Flickr
La Trahison des images (Ceci n'est pas une pipe) (1929) av René Magritte
Denna målning anses inte bara vara ett av René Magrittes surrealistiska mästerverk, den är också mycket erkänd som en ikon för modern konst. Surrealism var en konststil som kraftigt drog påverkan från Freudiansk psykologi. Det symboliserade en reaktion mot 'rationalism', som många trodde bidrog till första världskriget. Hans ord-bildmålningar är hans exempel på omöjligheten att kombinera ord med bilder och objekt. Magritte hade arbetat med reklam, liksom att vara konstnär, och måleriet verkar till en början vara förenklat - nästan säljer röret som visas i verket. Men under orden läst "detta är inte ett rör", vilket till en början är förvirrande. Det komplexa elementet är att en målning av ett rör inte egentligen är ett rör i sig, utan bara en skildring av ett rör. Hans användning av text i målningarna skulle påverka en generation konceptorienterade konstnärer inklusive: Jasper Johns, Roy Lichtenstein och Andy Warhol.
Foto av Daren DeFrank
Still Life with Cherries and Peaches (1885-1887) av Paul Cézanne
Paul Cézanne är känd som en av 1800-talets legendariska postimpressionistmålare. Hans målningar inkluderar en mängd olika ämnen från landskap till porträtt och stilleben. Hans ikoniska målningar av olika bordinställningar är omedelbart igenkända i och ur konstvärlden. Cézanne använde livliga färger och penseldrag för att fånga bildernas intensitet, vilket exemplifieras i denna målning. Målningens synpunkter är olika. Körsbäret ses från en ovanstående kontaktpunkt, medan persikorna, trots sin närhet, verkar betraktas mer mot en sidovinkel. Glaset och lakan följer bordets inställning och är realistiska men samtidigt mer abstrakta, vilket är typiskt för postimpresjonismen. Detta verk är ett klassiskt exempel på den fängslande stilen i Cézanne och en måste-se-målning på egen hand.
Foto av Daren DeFrank
Cold Shoulder (1963) av Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein är en av en grupp konstnärer som använde kommersiella bilder i sitt arbete och förvandlade det. Dessa stilar blev kända som Pop Art och kom på mode på 1960-talet. Användningen av djärva färger och linjer skapar bilder av serieteckningar. Den exakta ritningen ligger också platt på duken, med avsiktligt saknad användning av dimension. Dessutom skapar sammanställningen av texten i stycket som säger "Hej" med den bakåtvända kvinnan en intressant dynamik. Med hjälp av den stil som kallas Ben-Day (skrivars) prickar, som är en mekaniserad process som används för framställning av serier, skapar Lichtenstein kvinnans hud med en handgjord tolkning av tekniken.
