När vi välvrar oss längre in i den moderna världen är det viktigt att reflektera över konsten och kulturen hos ett folk som härstammar från ett Amerika före vår tid. Indianens historia är en återspegling av personliga, etiska och sociala kampar. För att hedra Seneca Art and Culture Center på den en gång förstörda Ganondagan State Historical Site i Victor, New York, här är 13 indianerkonstnärer som du borde känna till.
Pacific Northwest Indian American Art © Ed Bierman / Flickr
Nampeyo
Nampeyo erkändes vid 20 års ålder som en av de finaste Hopi-krukmakarna och perfektionerade det farkost som hennes farmor lärde sig genom att använda återvunna keramiker som basmaterial. Hennes finkonstruerade keramik uppvisade en stil, precision och hållbarhet som få kan återskapa. Nampeyo är välkänt för mönster med en teknik som kallas polychrome, som är användningen av många ljusa livliga färger som röda, bruna, gula och djupa svarta, målade på med ett tuggt Yucca-blad. Hennes keramik hade ett intrikat och naturligt motiv med geometriska figurer i kombination med bilder av djur och ansikten, sedan odödliga med hjälp av en skjutningsteknik som går tillbaka till 1500- talet.
Ernie Pepion
Ernie Pepions personliga historia och hans triumf över motgångar är minst lika magnifik som hans konst. Som medlem av Blackfeet Tribe tillbringade Ernie Pepion större delen av sitt liv som löpare och rodeo-ryttare. Han tjänstgjorde flera tjänsteturer i Vietnam, men tyvärr var han 1971 involverad i ett allvarligt bilvrak, som förflyttade honom till en rullstol som en fyrfartyg. När han återhämtade sig på ett sjukhus fick han lära sig att måla av en annan patient med ett motoriserat staffli och ett stag för handen och underarmen. Ernie Pepion, som tjänade som en inspiration för att övervinna fysiska utmaningar, var föremål för en dokumentär som heter Ernie Pepion: The Art of Healing.
Den indiska © griannan / Flickr
Ma-Pe-Wi (Oriole)
Få kanske vet att Ma-Pe-Wi-verk ses nästan varje dag av många amerikaner runt om i landet. Ursprungligen från Zia Pueblo-stammen i Santa Fe, New Mexico, fick Ma-Pe-Wi Velina Shije Herrera ingen formell konstutbildning, men kunde ändå bli en av 1900-talets mest produktiva målare. Hans abstrakta mönster fångar ofta skildringar av vardagliga Pueblo-liv och ceremoniella danser. Ma-Pe-Wi är också känt för sin användning av leachina, som är en anda av saker i den verkliga världen djupt förankrad i Pueblo-kulturen. Trots att han ursprungligen kritiserades av sin egen stam gav Wi tillstånd till staten New Mexico att använda sin återupprättelse av Zia-solen, som nu pryder statsflaggan.
Stirr
Även om ytorna hans ytor kan verka ganska förenklade, uttrycker Parrs design inte bara själva essensen i kanadensiska inuittkulturen, utan är en omvandling av hans helt eget liv till konst. Parr levde nomadiskt merparten av sitt liv och hans arbete återspeglar balansen i rörelse mellan människa och natur. Dessa distinkta mönster markerar scener som symboliserar livets upprätthållande genom jakt, fiske och människan mot elementen. Parrs arbete har också en andlig kvalitet som återspeglas i hans användning av forntida shamaniska ämnen. Hans arbete Hunters of Old dödades så småningom på en kanadensisk frimärke från 1977.
Lucy M. Lewis
Ofta beskrivs som Pablo Picasso från keramik, började Lucy M. Lewis att göra keramik vid åtta åldern från sitt hem i Acoma, New Mexico. Hennes användning av fina linjer visar en distinkt balans mellan hantverk, precision och symmetri. Trots sin skicklighet och konstnärliga förmåga hade Lewis ingen formell utbildning och var till stor del självlärd. Hon blev inbjuden till Vita huset 1977 och upprätthåller en permanent samling på Smithsonian-museet i Washington DC Under hela sitt liv och sitt arbete fick Lewis flera utmärkta priser inklusive New Mexico Governor's Award för enastående personligt bidrag och erkännande från American Crafts. Council College Art Association.
Samling av cirka 25 stycken Pueblo indisk keramik från (?) Samlingen av pastor Dr. George Cole, ca.1900 (CHS-2668) © Ashley Van Haeften / Flickr
Kananginak Pootoogook
Kananginak Pootoogook var en man verkligen bland naturens inslag. Trots att han var en 1900-talets bläckskulptör och tryckare tillverkade han det mesta av sitt tidiga liv som reser från igloos på vintern till läskhem på sommaren. Som självlärande konstnär erkänner hans arbete ofta övergången från traditionellt indianliv till modern existens. Pootoogooks arbete visar också en tydlig enhet och uppskattning för kopplingen mellan människa och natur. Hans tryck återspeglar djur som efterliknar mänskliga-liknande egenskaper, och tvärtom, och visar jämställdheten i samexistens mellan människa och djur. Bland många andra utmärkelser visades en utställning av hans arbete vid Vinter-OS 2010 i Vancouver.
Bob Haozous
Mest känt konstaterar Bob Haozous att "människan inte är bortsett från naturen utan en del av den." Haozous verk uppvisar en utmaning för västerländsk filosofi som överträffar infödda tankar. Även om han tjänade i marinen på USS Frank Knox i Vietnam, glömde Bob Haozous aldrig sitt Apache-ursprung i sin kamp mot rasism och marginalisering av indianerna. Lika stark som hans övertygelse var, återspeglar hans arbete också en humoristisk syn på sociala och miljömässiga åsikter. Bob Haozous målningar och skulpturer kan ses nationellt och internationellt på platser som Apache Holocaust Memorial vid Dartmouth College och West Phalian State Museum i Tyskland.
Pacific Northwest Indian American Art © Ed Bierman / Flickr
Juane Quick-to-Sea Smith
Juane Quick-to-Sea Smiths distinkta blandade mediekonst är en förkroppsligande av både hennes indianarkultur och oroliga barndom. Övergiven av sin mamma kopplar Smith sina personliga utmaningar till utmaningen att övervinna myter och stereotyper av indianer. Var och en av hennes unika blandningar av målning, bilder och text berättar en individuell berättelse om personlig motgång och behovet av att spränga status quo. Hennes verk ses allmänt på Smithsonian i Washington DC, Whitney Museum och Museum of Modern Art. Bland Smiths många utmärkelser kom hennes livslängdpris från Women's Caucus for the Arts.
Calvin Hunt
Hans kraftfulla och slående träsniderier ger betraktaren ett djupt perspektiv in i Kwakwakawakw-kulturen i Stillahavsområdet nordvästra Kanada. Calvin Hunts hand snidade totempinnar, masker och danskläder är skulpterade av röd cederträ. Hans användning av livliga röda och blå färger väcker hans skildringar av djur och människan till liv med en ofattbar nivå av realism och kraftfullt bildspråk. Calvin Hunts verk är tänkt att visa världen genom en symbolisk förening av djur och legender. Så starkt och uppriktigt är hans anmärkningsvärda verk att han äger sitt eget galleri vid Royal Academy of Arts i British Columbia.
Julia Jumbo
Julia Jumbo, som är allmänt betraktad som en av de bästa Navajo-vävvävarna som någonsin har levt, är välkänd från sina intrikata mönster i kombination med högsta precision. Jumbo är bäst känd för sin användning av "tusenskönan" -gränsen, som härstammar från en legendarisk vävare med namnet Daisy Taugelchee. Hennes tapisserier är fint utformade med hjälp av stift-raka linjer och symmetriska mönster, omgiven av slående solida kantar av både svart och vitt. Hon använde sin talang för att väva som ett sätt att övervinna sina barndomsstrider och som en återspegling av både personlig och social ordning.
Native American Art © PublicDomainPictures / WikiCommons
Jane Ash Poitras
Hon har verkligen en unik bakgrund. Jane Ash Poitras utbildades ursprungligen till att vara mikrobiolog, men kände ändå att hennes riktiga kallelse var som en blandad konstnär och målare. Som en del av Dada-rörelsen (tidigt 1900-talets avantgarde) sökte Poitras hennes styrka när det gäller att avbilda ursprunget till hennes Cree-härkomst (den största gruppen av indianer). Hennes verk är bäst känt för dess produktiva bild av heliga indianersymboler som örnen. Men som kristen innehåller hennes verk också ett starkt andligt inslag som framgår av Jesus, Maria och Joseph. Poitras konst ses ofta som en utmaning för den tvingade assimilering av aboriginskulturen.
Faye HeavyShield
Med en kombination av spiritualitet och feminism blev Faye HeavyShield en av de främsta installationskonstnärerna under detta århundrade. Ursprungligen från Alberta, Kanada, är hon känd för sin omvandling av områdets uppfattning och rymd genom repetitiv användning av föremål. Symbolik som används som karaktäriseringar av kvinnors makt i modern kultur valvade henne i framkant av den kanadensiska feministiska rörelsen. Faye HeavyShields användning av färg ger henne verk en kraftfull humanistisk kvalitet, och hennes spiritualism återspeglas i hennes återkommande användning av wimple (huvudbonad bär av nunnor), som ett tema för kvinnors anslutning till Gud.
