En djupt filosofisk man som undvek materialism och insisterade på rå känslor, vi kanske alla kunde göra med lite mer av Rothkos principer i våra liv. Här är tio saker du borde veta om konstnären, inklusive vad hans största rädsla var.
Individuell upplevelse är nyckeln
Rothko trodde starkt på vikten av individers personliga upplevelse för hans målningar. I sin vision skulle tittaren dras in i ett djupt, meditativt förhållande när han möter duken, ett tillstånd av emotionell sårbarhet och total mottaglighet, analog med Rothkos känslomässiga tillstånd när han målade duken i sin studio.
Mark Rothko i sin ateljé, 1964, cibachrome © Hans Namuth / Courtesy of the National Portrait Gallery, USA
Färgmästaren var inte "intresserad av färg"
Sedan hans otydliga död har Rothkos banbrytande av Color Field-rörelsen beskrivits av många kritiker som obestridliga och banbrytande. För målaren själv var färg bara ett medel för en emotionell reaktion som framkallades i betraktaren, randig av något estetiskt eller dekorativt underström. I ett berömt uttalande som förkroppsligar hans konstnärliga praxis, sade Rothko: "Om du bara rörs av färgförhållanden, saknar du poängen."
Rudy Burckhardt (1914–1999), Mark Rothko, New York, 1960, gelatin-silvertryck med tillstånd av Albright-Knox Art Gallery, Buffalo (begåvad av Seymour H. Knox Jr.)
Det enda svaret som är viktigt är känslomässigt
Rothko var upptagen med rå mänsklig reaktion, eller vad han kallade ”grundläggande mänskliga känslor-tragedi, ekstasi, undergång och så vidare”, och fann att detta var det enda ”rätt” sättet att reagera på sina målningar. När hon närmar sig duken måste tittaren befria sig från önskan att tolka, eller förstå, målningen i en intellektuell bemärkelse, och låta sig bli rörd av den känslan som ingraveras i kompositionen. I slutändan såg Rothko detta som ett tillstånd där målare och tittare delar en uppsättning av känslor, nästan transcendentalt, medan de står inför samma duk. Inom ramen för den allt mer intellektuella konsten på 1950- och 1960-talet var denna strategi inte bara original utan också kontroversiell.
Mark Rothko, Untitled (Seagram Mural sketch), 1959, olja på duk Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Avstå från att kalla sina målningar ”vackra”
Att ha sina målningar tjäna ett dekorativt syfte var utan tvekan Rothkos största rädsla som konstnär. När han sålde en privat studerade han först köparens reaktion på duken i ett försök att mäta om den nya ägaren skulle använda målningen som tillbehör eller som mittpunkt. Även om det finns en obestridlig skönhet i Rothkos höga, hypnotiserande verk, är hans föreskrivna sätt att titta på dem att tömma ditt sinne för alla estetiska överväganden och uppfatta dem som rör sig, både bokstavligen och bildligt.
Mark Rothko, Untitled, 1955, olja på duk Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Rothkos tidiga verk är figurativa
Hans tidiga verk är definitivt figurativa, långt ifrån de stora, abstrakta verk som han så småningom blev känd för. Tunnelbana-scener, tolkningar av forntida myter, halvmänskliga figurstudier och pastorala miljöer samlas i en eklektisk blandning av till synes oberoende ämne innan de blir oskarpa abstraktioner i nästa steg i Rothkos utveckling. Den ena länken mellan dessa och hans senare verk är målarens synliga förkärlek för de vertikala vertikala linjerna, kropparna utsträckta uppåt, och allestående kolumner förutser alla Rothkos mogna verk.
Mark Rothko, Untitled, 1947, olja på duk Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Svart är aldrig riktigt svart
Mer specifikt är det svarta som används av Rothko ett multidimensionellt plan med mörk nyans, vanligtvis placerad ovanpå, eller bredvid, en annan ton som belyser resten av målningen med en mycket subtil färg. Till och med i de sena, typiskt mörka verken, punkteras lagret av svart av halvtydliga färgblinkar underifrån och kämpar för luft bortom det första intrycket.
Mark Rothko, Untitled, 1953, blandad media på duk Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Rothkos målningar är bland de dyraste konstverk som någonsin har sålts
Rothkos orange, röd, gul (1961) är bland de fem dyraste målningarna efter kriget som någonsin sålts på auktion. Det hämtade en extraordinär 86, 9 miljoner dollar vid en Christie's New York-auktion 2012 och slog konstnärens tidigare skiva med White Center (Yellow, Pink and Lavender on Rose), som köptes för 72, 8 miljoner dollar på Sotheby's 2007. För att sätta detta i sammanhang, Van Gogh's Irises (1889) såldes för bara $ 53, 9 miljoner 1987.
Pengar var aldrig en drivkraft för Rothko
Trots de rekordhöga priserna som hans målningar hämtade i dagens konstbransch var välstånd och berömmelse aldrig bland Rothkos prioriteringar. Den så kallade Seagram-kommissionen är ett spektakulärt exempel: i juni 1958 accepterade Rothko en uppdrag från ägarna av den nya Four Seasons Restaurant i New York för att producera en uppsättning väggmålningar för interiören och komplettera det inbjudna all-star i restaurangens design, komplett med Mies van der Rohe och Philip Johnson.
Efter att han ursprungligen accepterat det som skulle ha varit hans mest lukrativa uppdrag, avbröt Rothko kontraktet abrupt, med liten förklaring. Det misstänks att han trodde att projektet skulle äventyra hans integritet som konstnär och göra sina målningar rent dekorativa i en lyxig matsättning.
Seagram Murals Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Rothkos senare verk drar mot mörkret
Under de senare stadierna av hans karriär, på 1960-talet, började Rothkos målningar vända sig mot mörkret, en fullständig förskjutning från hans tidigare fokus på livliga canvases där färg till synes började ta centrum. Mörka gråtoner och nästan svarta började dominera hans palett i vad många nu ser som ett tecken på hans självmord på vintern 1970. Häpnadsväckande är hans sista verk en skrikande sammansättning av blodröda.
Mark Rothko, nr 7, 1964, blandat media på duk Courtesy Gemeentemuseum den Haag
