Vid första anblicken kan Wassily Kandinskys konstverk förvirra dig; hur kan alla dessa olikartade målningar komma från en konstnär? Född i Odessa, upplevde han både oktoberrevolutionen i Ryssland och sedan uppkomsten av nazisterna i Tyskland innan han flyttade till Paris för att leva ut resten av sitt liv. Kandinsys konstverk genomgick fantastiska förändringar - och de tio målningarna nedan är ett bra sätt att se beviset.
Der Blaue Reiter (1903)
Kandinsky skulle så småningom krediteras för att skapa den första rent abstrakta målningen - men Der Blaue Reiter är inte det. Denna målning, som avslutades 1903, är ett bra exempel på hans tidigare verk, som visar påverkan av den franska impressionismen och till viss del Pointillism. Särskilt detta arbete skulle så småningom komma ihåg av en annan anledning - år 1911 var Kandinsky bland en grupp tyska och ryska konstnärer som grundade en grupp som hette Der Blaue Reiter, eller The Blue Rider, som svar på att en annan målning av hans avvisades från en utställning - även om det är osannolikt att han namnger gruppen efter den här målningen.
Der Blaue Reiter Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Murnau, tåg och slott (1909)
Kandinskys målningar skulle gradvis bli mer och mer abstrakta, och med Murnau, Train and Castle kan du se ett stopp längs vägen. Kandinsky målade det 1909 efter att han hade rest genom stora delar av Europa och beslutade sedan att bosätta sig i Murnau - en liten stad i Bayern. I denna målning kan du se hur färgen spelar nästan lika stor roll som de former den formar, även om formerna här fortfarande är själva tydliga; tåget och slottet är båda uppenbara, liksom olika delar av bakgrunden.
Murnau, tåg och slott Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
The Rider (1911)
Ryttaren, en målning från 1911 - i början av Kandinsskys tid i gruppen Blue Rider - erbjuder en god chans att jämföra och kontrastera hans tidigare och senare verk, särskilt med tanke på att ämnet här liknar Der Blaue Reiter ovan. Hästen och ryttaren är tydliga här, men de är bara linjer och färger utan den mindre detalj- och bakgrundsbilden som du hittar i den tidigare målningen. Detta är faktiskt ett av hans mindre abstrakta verk från perioden, men det fångar fortfarande samma energi och kraft.
Åkaren © Wassily Kandinsky
Improvisation 27 (1912)
För Kandinsky, som ofta hänvisade till sina målningar med termer som generellt reserverats för musikvärlden, var "improvisationerna" spontana och oplanerade stycken, medan "kompositionerna" var mer komplicerade och planerade ut. Hans användning av terminologin var inte bara av en slump; som konstteoretiker såg han många kopplingar mellan hur musik och abstrakt konst kan nå rena känslor och känslor - bättre, kände han, än realistiska verk. Improvisation 27 kallas också The Garden of Love II, som ger en ny potential till vad den uttrycker.
Improvisation 27 © Wassily Kandinsky
Komposition VI (1913)
Komposition VI är ett abstrakt verk som Kandinsky tänkte åstadkomma specifika bilder - specifikt apokalypen vid vatten, plus dop och återfödelse, allt i en jättemålning. Han stötte dock på ett kvarter längs vägen, som han bara skulle komma förbi genom att ta råd från en vän att upprepa det tyska ordet för "översvämning" (überflut) om och om igen, höra ljudet men ignorera meningen. Detta tillät honom att frigöra sig från sina tankar om stycket, och efter det genombrottet slutförde han det på tre dagar.
Komposition VI Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Komposition VII (1913)
Komposition VII är en sorts kulmination av de blå Rider-åren, eftersom hans tankar var det mest komplexa stycket som han någonsin målade. Liksom kompositionerna som kom före den har denna målning en mycket andlig sida - som mycket av Kandinskys verk. Han tänkte åstadkomma en andlig koppling mellan sig själv och tittarna genom målningen - en ledning som väckte liknande känslor från båda sidor. Även om det kan se ut som bara stänk av former och färger såg Kandinsky en betydelse för varje färg, och han satte dem samman med ett stort syfte.
Komposition VII Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Poäng (1920)
Med Poäng får du chansen att se nästa riktning av Kandinskys målningar. De blev gradvis mer geometriska i form, och Points är en bra illustration av hur han uppfattade dessa geometriska former. De två huvudelementen i hans målningar vid denna tid var linjer och punkter. Båda fick ytterligare betydelser i sin teori; en punkt är bara en form i målningen, inte begränsad till någon specifik färg, storlek eller form. Linjer är resultatet av en konstnär som tillämpar kraft på ett verktyg, en pensel eller penna, i en specifik riktning, och till och med riktningarna och kurvorna (eller bristen på dessa) för linjerna har en specifik mening för Kandinsky.
Poäng Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
On White II (1923)
Ett av hans mest berömda verk, On White II, målade 1923 (tre år efter Points, som målades 1920), visar utvecklingen som Kandinskys geometriska målning genomgick på relativt kort tid. Linjerna är skarpare, formerna är skarpare - men alla styrdes av Kandinsky förståelse för vad de olika linjerna och färgerna betydde när de samlades. För honom symboliserade vitt fullständig tystnad och fullständig möjlighet, och vitt och svart utgör den andra stora kontrasten av färger, som du också kan se i det här stycket.
På vit II © Wassily Kandinsky
Flera cirklar (1926)
Flera cirklar är anmärkningsvärda för hur Kandinsky använder färger, där de perfekta cirklarna överlappar varandra och deras färger blandas för att bilda helt nya. Den svarta bakgrunden är också viktig - för honom, svart symboliserad, helt enkelt, död, men också hopplöshet och ingenting. De andra färgerna lägger dock till verkets totala intryck, som vid första anblicken ser ganska färgglad och ljus, som fyrverkerier eller planeter; de hade sina egna betydelser, tillsammans med kombinationerna mellan dem. Blått är till exempel en färg som för Kandinsky tillhörde himlen och var tänkt att framkalla en djup känsla av lugn.
Flera cirklar Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
